Quand Taylor Swift est apparu sur le podcast Nouveaux sommets En août, elle a dit qu'elle avait économisé pour racheter ses enregistrements de maîtres depuis qu'elle était adolescente.
« J'ai pensé à ne pas posséder ma musique tous les jours », a déclaré Swift dans la série, co-organisée par son fiancé, Travis Kelce. « C'était comme une pensée intrusive que j'avais tous les jours. »
Swift avait déjà possédé les droits de publication sur sa musique, qui s'appliquent à la composition et aux paroles d'une chanson. Mais les droits des Masters pour ses six premiers albums – ce qui signifie que les versions enregistrées réelles de ses chansons et clips musicaux – appartenaient à son premier label, Big Machine Records, comme c'est la norme dans l'industrie musicale. Cette année, Swift a finalement conclu un accord et a récupéré les enregistrements maîtres de Shamrock Capitol, la société de capital-investissement qui les a acquis en 2020. C'est l'aboutissement d'une bataille de plusieurs années dans laquelle la pop star a transformé la propriété des maîtres de la conversation en grande partie dans les coulisses de l'industrie en intercapuv.
En 2019, la pop star a diffusé ses griefs contre le manager vedette, le scooter Braun après que sa société Ithaca Holdings a acquis Big Machine, et le premier catalogue de Swift avec lui. Par conséquent, elle s'est lancée dans un voyage pour réenregistrer son premier matériau, donnant naissance à la La version de Taylor albums. La capacité de la femme de 35 ans à enfin racheter les originaux a marqué un moment complet dans sa carrière, faisant écho aux offres similaires conclues par Jay-Z et Rihanna dans le passé.
Ces dernières années, de plus en plus d'artistes, en particulier des jeunes femmes, ont fait de la possession de leurs maîtres une priorité au début de leur carrière, notamment Maggie Rogers, Ice Spice et Olivia Rodrigo (qui a cité Swift comme une inspiration directe). Les experts de l'industrie affirment que Swift, qui a transformé la transaction commerciale en une épreuve profondément personnelle, a ajouté du carburant à un incendie déjà croissant dans l'industrie: grâce à la montée en puissance de la production de bricolage, des fournisseurs de services numériques et des médias sociaux, le marché de la musique tend à la propriété des artistes.
Offres unilatérales du passé
Il est devenu une pratique standard pour que les maisons de disques possèdent des maîtres au cours des premiers jours de l'enregistrement de la musique. Les studios de réservation, l'embauche de producteurs et les chansons de mixage ont été un processus long et coûteux – celui que les artistes émergents pouvaient rarement se permettre sans une avance sur le label.
« En conséquence, vous avez fait venir ces entreprises et accorder à ces jeunes talents ce chèque pour leur permettre de créer des enregistrements avec lesquels le label pourrait alors gagner de l'argent », explique David Herlihy, avocat du divertissement et professeur de l'industrie musicale à la Northeastern University. « Et donc les étiquettes possédaient les enregistrements. »
Des artistes comme Little Richard et les Beatles ont signé des offres infâmes unilatérales au début de leur carrière, entraînant des batailles juridiques pour les années à venir. Dans certains cas, des groupes comme les Rolling Stones ont lancé leurs propres étiquettes une fois que leurs projets d'enregistrement initiaux ont expiré. D'autres artistes, comme Michael Jackson et Prince, ont exploité des albums à succès afin de renégocier leurs contrats.
« C'était une fonction dans le cas d'un artiste particulier d'avoir un succès massif et d'avoir la stature dans l'industrie qu'ils pouvaient l'exiger », a déclaré l'avocat John Branca, qui a représenté Jackson et dirige le département de musique de la firme de divertissement Ziffren Brittenham LLP. « Ce n'était pas un événement courant et il est toujours assez rare. Mais c'est plus courant aujourd'hui qu'il ne l'était par le passé. »
Shift « adapté aux artistes »
Mais avec la révolution numérique, la production musicale et La distribution est devenue de plus en plus démocratisée. Les artistes ont gagné non seulement la possibilité d'enregistrer de la musique dans leurs chambres, mais aussi de le publier directement en ligne.
En 2016, une vidéo de l'étudiante de NYU à l'époque, Maggie Rogers, jouant à Pharrell Williams, une démo de sa chanson « Alaska » est devenue virale. Cela a transformé le récent diplômé en une sensation de nuit, à ce qu'elle ne s'attendait pas – elle a dit Panneau d'affichage Elle ne savait même pas que la vidéo serait publiée en ligne. Mais alors que Rogers a affronté ses nouveaux projecteurs, cela lui a également permis de faire pression pour un contrat conservant les droits sur sa musique. « La vidéo Pharrell m'a donné suffisamment de levier pour dire: » Ce sont les termes, qui veut faire l'accord? » « Rogers a dit Panneau d'affichage En 2019. « J'étais une femme de 22 ans qui a pu entrer dans une salle de réunion et être celle qui contrôle. »
L'histoire de Rogers n'est pas un exemple unique; C'est une représentation de la façon dont les étiquettes cueillent désormais les artistes en herbe avec une forte présence sur les réseaux sociaux des algorithmes personnalisés dans le succès grand public. Megan Thee Stallion, Clairo et Shawn Mendes ont tous exploité des clips viraux sur des plates-formes comme YouTube et Vine pour signer des offres d'enregistrement. La montée en puissance de Tiktok a encore perturbé l'industrie musicale, toutes deux en dictant largement quelles chansons finissent par devenir des succès sur le Panneau d'affichage graphiques et en stimulant les créateurs de contenu comme Addison Rae et Alex Warren dans la légitimité pop. Aller dans les conversations sur les étiquettes avec un influence culturel et une base de fans préexistante a donné aux musiciens un nouveau type de dessus à l'ère numérique.
« Ce que vous voyez maintenant, ce sont des licences où il y a la propriété des deux côtés », explique l'avocat Jason Boyarski, qui a représenté des artistes tels que Prince, Marc Anthony et Fetty Wap.
Les termes et durée de ces licences varient selon l'artiste, explique-t-il. Mais alors que les étiquettes étaient fréquemment possédées de maîtres enregistrements à perpétuité, laissant les artistes uniquement avec des redevances, les licences d'aujourd'hui reviennent souvent à des musiciens après une période de temps. Boyarski dit que cela est similaire à un changement dans les offres de publication musicale, où le droit d'auteur pour les paroles et la composition d'une chanson est finalement retourné au compositeur. C'est en grande partie grâce à la Copyright Act de 1976, qui a jugé qu'à partir de 1978, les auteurs pouvaient récupérer les droits de leurs chansons après un certain nombre d'années (même s'ils avaient précédemment signé ou vendu à un label).
« Dans le secteur de l'édition musicale, vous avez vu une ruée vers l'or des ventes de catalogues musicaux en grande partie en raison de réversions complètes, soit celles qui se sont produites en vertu de la loi sur le droit d'auteur ou des réversions contractuelles », explique-t-il. « Vous voyez des auteurs-compositeurs avec le pouvoir de vendre. Nous voyons la ruée vers l'or de la vente à venir bientôt. »
(Ces dernières années, Bob Dylan et Neil Diamond – qui ont tous deux possédé leurs maîtres et leurs droits d'édition – ont vendu à la fois à des labels majeurs, Dylan atteignant un accord distinct pour chaque catalogue.)
Les fournisseurs de services numériques comme Spotify et Apple Music ont également permis aux artistes de conclure des accords avec les distributeurs directement sans avoir besoin de passer par un label. Pour certains artistes, dont le client de Boyarski et Tiktok Sensation JVKE, cela signifie qu'il est plus possible de rester indépendant et de se concentrer sur la croissance d'un public via les médias sociaux.
Partenariats et superfans
Malgré l'impact d'Internet – et le changement de paradigme – sur l'industrie de l'enregistrement, les artistes tirent encore d'énormes avantages de la signature aux grands labels. (Regardez simplement les panneaux d'affichage Chaud 100 Chart, qui est toujours dominé par des talents soutenus par un label). Jonathan Eshak de Mick Management, qui représente des artistes comme Maggie Rogers, les Marías et Leon Bridges, dit que ces relations sont devenues de plus en plus équitables au cours des dernières décennies.
« Auparavant, c'était là que ces étiquettes entreraient et ils se présenteraient comme si c'était une acquisition. Nous en avions besoin, et ils allaient nous acquérir et réaliser nos rêves », dit-il. « Maintenant, ils entrent et disent: » En tant que partenaires, comment pouvons-nous être additifs? » «
Jason Boyarski dit que son entreprise a vu des royapes plus transparentes entre des artistes et des étiquettes, et des accords plus courts pour trois ou quatre albums par opposition à cinq ou six. Mais l'histoire de Taylor Swift était venue avec un seul inconvénient: des clauses de réenregistrement plus strictes.
« [Labels] Portez beaucoup plus d'attention aux restrictions de relecord « , explique Boyarski. » Dans les ventes de catalogues, les acheteurs – en particulier les acheteurs de capital-investissement – insistent également sur les restrictions de relecord dans ces transactions. «
Bien qu'il ne soit pas rare que les artistes réenregistrent les chansons, Swift a poussé la pratique à un nouvel avion. Les quatre Version Taylor Les albums ont dépassé Panneau d'affichageLes meilleurs albums des 200 meilleurs albums et engendré des singles à succès, y compris la rendue de 10 minutes de « Kot Well », et de nouvelles collaborations avec des artistes comme Chris Stapleton et Phoebe Bridgers. Les restrictions de réenregistrement existent depuis longtemps dans les accords d'enregistrement standard, indiquant généralement qu'un artiste doit attendre un certain nombre d'années (ou pour la fin de son contrat) afin de recréer des chansons existantes. Mais le succès massif de Swift pousse les étiquettes pour rendre ces clauses plus longues et moins indulgentes, disent Herlihy et Boyarski.
Un autre majeur à retenir de la La version de Taylor projet? Une base de fans dédiée va loin. La démocratisation de l'industrie peut basculer les échelles de propriété en faveur des artistes, mais les DSP et les médias sociaux ont également conduit à des sources de revenus de plus en plus fracturées. Bien que Goldman Sachs prédit que les revenus de la musique mondiale doubleront d'ici 2035, un single à succès ou un spectacle à guichets fermés n'est plus la principale métrique de la rentabilité. L'économie en streaming, la monétisation des médias sociaux et les communautés en ligne dirigées par des abonnements (pensez que Patreon ou uniquement Fans) poussent tous l'aiguille.
C'est pourquoi « Super Fans », ou les fans qui soutiennent des artistes sur plusieurs médiums comme la tournée, les ventes d'albums Merch et Physical, deviennent plus importants que jamais. La tenue des maîtres et des droits d'édition continuera de donner aux artistes un contrôle financier et artistique maximal de leur carrière – mais garder les fans satisfaits et constamment engagés est l'objectif ultime pour le résultat net de l'industrie.
« Il s'agit toujours de fans et de ce que les fans pensent des artistes », explique David Herlihy. « Mais maintenant, la façon dont cela est monétisé dans la publicité ciblée et dans le capitalisme de surveillance, tout change vraiment la façon dont la musique génère de l'argent pour les entreprises de recherche de profit. »