Un concert de David Byrne n'est pas comme la plupart des concerts – c'est un montrerdans tous les sens du terme. L'artiste réalise sa marque unique de spectacle depuis des décennies, du plus grand film de concert de tous les temps avec des têtes parlantes ' Arrêtez d'avoir un sensà la tournée devenue-Broadway-Smash devenue-hbo-film Utopie américaine. À 73 ans Young, The Kooky Genius prouve qu'il n'a pas perdu son contact avec sa dernière tournée mondiale soutenant son nouvel album, Qui est le ciel?
Byrne a ramené la tournée à la maison le mardi 30 septembre pour la première de deux nuits au Radio City Music Hall de New York. Il pourrait ne pas y avoir de meilleur lieu pour une telle production. Pour un, le utopie Le concept d'un groupe mobile (je ne serai jamais amusé de façon fascinante par le harnais du clavier), ainsi que par un quintette de danseurs-sauteurs de secours. Chaque chanson est chorégraphiée comme une fanfare menée par une gaffe théâtrale, alors que les interprètes se tissent et s'éteignent les uns des autres, se font parfois sauver dans les airs et se transforment en blocage dramatique.
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Mais aussi étroitement disposés que tout cela, ce chef d'orchestre – Byrne – n'est pas Martha Graham. Il semble qu'il invite un relâchement, de sorte que vous puissiez imaginer ses conversations avec le chorégraphe Steven Hoggett étant: « D'accord, et ici, faisons un peu bouger. Amusez-vous avec ça. » Le manque de rigidité permet à la joie d'être dans le moment de se déplacer à travers les membres de la troupe et de sortir sur le public. Tout le monde obtient son moment de projecteur, et choisir différents individus à suivre pendant différentes chansons fait partie du plaisir; Byrne lui-même se mélange agréablement entre tous les costumes bleus changeants (bien qu'il se démarque sur le flux occasionnel et pardonnable des mouvements de danse).
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La conception de la scène elle-même est une merveille simple mais complexe, principalement trois écrans échelonnés éteignant la scène du monde dans les coulisses. Le sol au plafond affiche des scènes de changement de vitesse: les petits personnages flous de dessin animé repoussent l'obscurité sur «Comme les humains», les bois luxuriants et la campagne se déroulent sur «Mélodie naïve (ce doit être l'endroit)», et on nous donne un aperçu 3D des «moments difficiles de Paramore». Le sol lui-même est également un écran, ses images traversant les écrans latéraux comme dans le tapis sur «Mon appartement…», les vagues pendant «Slipery People», et peut-être plus intriguée les noms sous chaque artiste le «Jour de l'indépendance».
Cette dernière chanson utilise la technologie d'une manière vraiment intrigante. Ces noms s'affichent également sur le grand panneau arrière à travers un ciel étoilé, se déplaçant sur le point de correspondre activement au blocage de la scène. Il doit y avoir une astuce intéressante pour réaliser ce suivi, car il est très évidemment en direct et non pré-mappé; Toute personne intéressée par l'art interactif obtiendra un coup de pied d'essayer de le comprendre. Regarder sur les écrans suspendus de chaque côté de la scène crée une sorte d'effet d'écran vert, où il semble que les interprètes et les projections ne soient pas nécessairement dans le même plan d'existence, bien que vous voyiez clairement qu'ils le sont. C'est une autre ride surréaliste – ou peut-être super-réelle – pour le talent artistique de tout le spectacle.
Mais les écrans ne sont pas seulement là pour la magie graphique. Avant «Comme les humains, nous voyons les Italiens chanter de leurs balcons pendant la pandémie. La toile de fond du bleu chaud présent pour une grande partie de l'arrangement absolument phénoménal de la «vie en temps de guerre» cède la place à des éclairs de manifestations anti-glace et pro-palestine. Des slogans comme «Make America Gay Again» et le burger King-riffing «No Kings» apportent des applaudissements de foule lorsqu'ils sont montrés lors d'un nouveau numéro, nous appellerons «T-shirt» («Voir mon t-shirt / retirer / danser ces chaussures / jusqu'à ce que nous bousiez»).
Bien que ce ne soit clairement pas un spectacle de type «laissez votre politique hors de ma musique», il n'y a pas exactement de commentaires manifestes. C'est plus interstitiel, car Byrne s'adresse souvent au public entre des chansons comme il fait une présentation. Parfois, il expliquera la disposition du cœur de «psycho-tueur», ou nous rappellera la beauté du chant pour des étrangers comme ceux enfermés Italiens. Avant «Quelle est la raison à cela?», Il se souvient de la première fois qu'il a entendu la phrase récemment populaire «L'amour et la gentillesse sont le nouveau punk rock». Avant l'ouverture du rappel «tout le monde vient chez moi», il fait une déclaration sincère sur la façon dont peu importe la merde du monde, «les gens aiment être ensemble».
Il laisse les déclarations «anti» aux écrans (ou les «réels» punks au CBGB Fest), et le message de Byrne met plutôt l'accent sur le «pro»: pro-joy, pro-carré, pro-togetherness. La performance est construite sur une incroyable setlist qui propose le meilleur de Qui est le Ciel? Avec tous les tubes que vous voulez – «Une fois dans une vie» est à la hauteur de son statut de l'une des plus grandes chansons de tous les temps, et «Burning Down the House» est un plus proche. Mais ce n'est pas seulement un concert – c'est un montrercelui qui superpose de l'art, des commentaires et de la joie dans une soirée magique. Il y a de nombreux moments à apprécier, se demande à réfléchir et, espérons-le, des sentiments à emporter avec vous après les chutes du rideau, ce qui en fait juste le dernier des tournées à ne pas manquer de David Byrne. (Voyez par vous-même en obtenant des billets ici.)