Herbie Hancock est monté sur scène au Hollywood Bowl mercredi soir, tenant par la main deux jeunes enfants : son petit-fils, Dru, et le petit-fils de Wayne Shorter, Max. Les décrivant comme les meilleurs amis, âgés d’un an et demi d’écart, Hancock a fait le parallèle évident avec sa propre relation avec Shorter, sur plus de six décennies. « Il nous aimait avec courage dans son cœur », a attesté Hancock. Par « nous », il semblait désigner l’ensemble des quelque 11 000 personnes rassemblées devant lui sous un ciel clair d’été, mais plus encore : tous les membres de la race humaine, ici et au-delà. Simplement mais clairement, il a ajouté : « Wayne était prêt à renaître. »
Shorter, décédé le 2 mars, était un saxophoniste à l’éloquence elliptique et un compositeur à l’imagination clairvoyante et révélatrice. Comme Hancock, brillant pianiste et collaborateur fréquent, il était également bouddhiste pratiquant. En tant que système de croyance de l’illumination, il complétait l’inclination de Shorter envers tout ce qui était énigmatique et cosmique. Il s’agissait principalement d’une influence furtive dans le concert du Hollywood Bowl, pour lequel Hancock était directeur musical, avec un assortiment d’amis étoilés et une apparition non annoncée de Joni Mitchell. Il est plus profond et plus direct tout au long Wayne Shorter : Gravité Zéro, un documentaire éclairant en trois parties publié sur Amazon Prime, à temps pour ce qui aurait été le 90e anniversaire de Shorter.
L’un des défis de la célébration de l’héritage de Shorter réside dans l’étendue et la variété de sa production créative, qui a eu un impact profond sur l’évolution du paysage du jazz des 60 dernières années. Le concert et le film ont proposé différentes solutions à ce problème, si vous voulez appeler cela un problème. « Herbie Hancock célèbre Wayne Shorter » au Hollywood Bowl a ancré son sujet dans le familier : un centre de relations, une poignée de pierres de touche. Wayne Shorter : Gravité Zéro pousse vers une évaluation plus éthérée et mystique de l’homme même si elle met sa vie dans une perspective souvent granulaire. À un moment donné, Danilo Pérez, pianiste du célèbre Wayne Shorter Quartet, se souvient avoir demandé quand ils pourraient répéter. Réponse de Shorter : « Vous ne pouvez pas répéter l’inconnu. »
Hancock, dans l’introduction de son concert, a fait allusion à des remarques comme celles-ci sous le nom de « Wayne-isms » – toutes ces déclarations trippantes et plaisantes dont Shorter a fait une marque bien-aimée. « Soit vous riez tout de suite », a déclaré Hancock, passant momentanément au présent, « soit il vous faut six mois pour comprendre ce qu’il voulait dire. » Après un temps : « Mais il avait toujours raison. » Cette phrase a suscité un rire reconnaissant, mais elle a également renforcé une vérité tacite sur le but de la soirée, qui était de commémorer la musique et l’esprit d’un homme qui considérait chaque œuvre comme inachevée, comme une invitation à jouer. Sa présence vibrante dans le film et son absence inévitable sur la scène du Hollywood Bowl étaient les deux faces d’une même expérience : un effort pour connaître les dimensions de son travail à la suite de sa transition et une lutte pour se sentir à l’aise avec ne sachant pas.
À cette fin, Pérez a dirigé un groupe expéditionnaire avec les autres anciens élèves du Quatuor, le bassiste John Patitucci et le batteur Brian Blade. Au début du concert de mercredi, ils ont joué avec Chris Potter remplaçant le maestro au saxophone ténor. Cette offre était un rappel bienvenu du mandat révélateur de Shorter envers le groupe, son insistance sur l’invention incessante. S’ouvrant sur la fanfare de « Witch Hunt », le quatuor a ensuite repris cette chanson classique avec un groove sournois à 7/4, que Potter a découpé comme un buggy de sable claquant sur une dune. « Joy Ryder » était encore plus cathartique, ponctué d’un motif décalé à trois notes que Patitucci et Blade ont attaqué avec un abandon contrôlé.
L’aspect le plus touchant des retrouvailles du Quatuor a été la trace évidente de la main de Shorter dans le langage commun des musiciens. Cette trace s’est également manifestée dans l’ouverture du concert, avec Esperanza Spalding à la basse et au chant, Terri Lyne Carrington à la batterie et Leo Genovese au piano, comme sur le récent album primé aux Grammy Awards. En direct au Festival de Jazz de Détroit et un épisode connexe de Soirée Jazz en Amérique. (Kamasi Washington était le substitut du saxophone ténor pour cette séquence bénéfique, et il a apporté un enthousiasme stoïque à la tâche.)
Hancock lui-même a naturellement apporté la plus grande autorité sur scène, en particulier dans une séquence qui le mettait en relation avec le bassiste Ron Carter et le batteur Jack DeJohnette – deux autres compagnons de voyage dans l’orbite de Miles Davis à la fin des années 1960. (Hancock, Carter et Shorter étaient tous membres du célèbre quintette acoustique de Davis ; DeJohnette rejoignit l’édition suivante du groupe, chevauchant Shorter alors qu’il se transformait en une sorte de groupe de rock d’avant-garde.) Le trompettiste Terence Blanchard, un trompettiste sage et tranchant présent tout au long du concert, faisait partie de cette cohorte aux côtés de Washington, Potter et d’un jeune saxophoniste alto nommé Devin Daniels, récemment diplômé de l’Institut de Jazz Herbie Hancock. Lorsque les cornes reculèrent pour laisser Hancock s’étendre sur « Dolores » de Shorter, tout le mystère et la majesté se sentaient à portée de main.
Mais alors que Shorter était un explorateur incorrigible, défiant souvent son public de suivre le fil, Hancock est un communicateur naturel et plutôt un artiste. Le concert semblait donc également lié à des considérations que Shorter lui-même aurait pu volontairement ignorer. Le segment de Miles Davis comprenait le morceau groove « Eighty-One », en partie par déférence implicite envers Carter, son compositeur. Un segment mettant en vedette Carlos Santana à la guitare (avec sa femme, Cindy Blackman Santana, à la batterie) comprenait un gloss funk sur le morceau de Miles Davis « So What », que Shorter a joué mais en aucun cas défini. Un hommage prolongé et par ailleurs satisfaisant à Weather Report, dirigé par le bassiste électrique Marcus Miller, comportait moins de compositions de Shorter que de son co-leader, Joe Zawinul. (Bien sûr, cela incluait « Birdland », le hit du groupe.) De manière plus compréhensible, aucune partie du concert ne traduisait l’étendue de l’écriture orchestrale ou de chambre de Shorter, ou de l’œuvre d’opéra qu’il avait réalisée avec Spalding.
Dans la mesure où il s’agissait de petits défauts de conception du concert, il y a plus qu’assez de contrepoids dans les trois chapitres d’une heure, ou « portails », qui constituent Wayne Shorter : Gravité zéro. Le film, réalisé par Dorsay Alavi, est en chantier depuis plus de 20 ans, et son accumulation massive d’images et de témoignages constitue non seulement un trésor inestimable, mais également un trésor savamment déployé. Il y a un peu trop d’animations et d’effets visuels distrayants – parfois Alavi ne semble pas faire confiance à l’imagination du spectateur, se précipitant pour littéraliser chaque métaphore – mais le matériel est extraordinaire et la boussole thématique du film est stable et sûre.
L’une des séquences les plus puissantes du film concerne une succession de tragédies personnelles qui ont frappé Shorter et ce qu’il a rassemblé en réponse. Le premier d’entre eux a été la mort de sa fille, Iska, d’une crise de grand mal en 1985, alors qu’elle avait 14 ans. Quelques années plus tard, le frère de Shorter, Alan, est décédé d’une rupture d’anévrisme de l’aorte à 55 ans. Puis en 1996, son son épouse, Ana Maria, faisait partie des passagers à bord du vol TWA 800, qui a explosé au large de Long Island ; elle était en route vers l’Europe avec une nièce, qui a également péri, pour retrouver Shorter en tournée. Le film présente cette saga avec des détails déchirants mais sans excès de pathos, ce qui rend son impact sur Shorter lisible, bien qu’encore inimaginable. Un extrait d’une interview avec un journal télévisé à cette époque le montre visiblement aux prises avec ses émotions, mais arrivant à une conclusion ferme. « La raison pour laquelle la mort arrive encore et encore », dit-il, « [is] parce que ce n’est pas la fin. »
Le moment du concert du Hollywood Bowl qui a le mieux évoqué cette émotion était en fait l’apparition de Mitchell, un ami et collaborateur de longue date de Shorter, et une présence vitale dans le film. Son récent retour triomphant sur scène laissait plus que probable qu’elle se présenterait pour cet hommage, soulevant la question de savoir quelle(s) chanson(s) elle pourrait interpréter. Il existe de nombreuses options intelligentes – dans le film, le producteur Larry Klein présente des arguments convaincants en faveur de « Moon at the Window », un morceau du début des années 80 – mais Mitchell a choisi de chanter « The Circle Game », une chanson déterminante du début des années 80. sa carrière. Soutenue par une assemblée sensible comprenant Hancock, Blade, Patitucci et le guitariste Lionel Loueke, elle y a insufflé un air de rumination prudent.
Les paroles de sa chanson ont toujours encouragé une série de métaphores imbriquées : la rotation d’un carrousel correspond au changement des saisons et aux phases du cycle de vie humain. Fondamentalement, cette compréhension considère le vieillissement et même la mort comme faisant partie d’une circularité plutôt que d’une chronologie. Et même s’il y a une reddition nécessaire, voire une sorte de captivité, dans le processus, Mitchell le présente comme un jeu à jouer. En la regardant avancer lentement tout au long de la chanson, j’ai pensé à quel point cela avait dû paraître intuitif à Shorter. Et j’ai pensé à l’une de ses dernières proclamations, selon sa famille : « Il est temps d’aller chercher un nouveau corps et de revenir continuer la mission. »