Il y a une scène dans Vinyl, la série éphémère de HBO, qui montre un groupe de prog-rock de la Renaissance juste rejeté gambader sur une scène de New York. Le groupe s’appelle Wizard Fist et comprend un sosie d’Ian Anderson jouant de la flûte. La référence évidente est à Jethro Tull, le combo britannique qui semblait parcourir plus de modes de musique pop des années 1970 que Spinal Tap. Le message implicite : Jethro Tull représentait tout ce qui n’allait pas avec le rock ‘n roll dans les années décadentes avant la vague de nettoyage du punk.
(Dans une autre scène de vinyle, comme pour enfoncer le clou, le magnat du disque bourré de coke Richie Finestra déchire un véritable disque de Jethro Tull d’une platine et le brise sur son genou.)
Jethro Tull, un groupe de blues-rock de Blackpool dans le nord de l’Angleterre, a rejoint Led Zeppelin, Pink Floyd et les Moody Blues dans une deuxième invasion britannique bâclée à la fin des années 1960. Nominalement un ensemble, Tull n’avait qu’un seul membre principal, Ian Anderson. Ian a écrit les chansons, et il a poursuivi une vision musicale sinueuse, changeant de styles – parfois radicalement, parfois au sein d’un seul album – pour convenir à sa muse agitée et pour assouvir les goûts changeants d’un public capricieux.
Par leur deuxième album, Se leverTull s’était éloigné de ses racines blues-jazz vers le hard rock, le folk rock et tous les autres traits d’union rock du panthéon pop de 1969. Au quatrième album de Tull, Scaphandre autonome, Ian semblait déchiré entre jouer de la guitare solo dans un café et diriger un groupe de heavy metal. Cinquième album, Épais comme une brique, plongé tête la première dans prog. Après une paire de suites d’un album, Tull s’est lancé dans une marque animée et rythmée de rock Ren-fest que Rolling Stone a qualifié de « boogie élisabéthain ». Mais alors que les puristes folk-rock tels que Fairport Convention ont relancé l’ancienne ballade anglaise, Ian Anderson a écrit son propre matériel et a gardé un pied fermement ancré dans l’univers progressif, expérimentant des thèmes classiques, des progressions d’accords d’études supérieures et des motifs d’épée et de sorcellerie. Les albums de Jethro Tull de cette époque constituaient des bandes sonores idéales pour les sessions Dungeons & Dragons.
Au fil des ans, Jethro Tull a perdu le soutien de la presse rock alors même qu’il gagnait une base de fans vaste et fidèle, un passel de mécènes principalement masculins qui sont restés avec le groupe à travers de nombreux changements stylistiques.
La radio de rock classique a longtemps accueilli des châtaignes de Tull aussi belles que « Teacher » et « Living in the Past ». Mais ces chansons ont maintenant un demi-siècle, artefacts d’une bande-son des années 70 en déclin d’artistes dépourvus d’héritage de la taille d’un Zeppelin. De nombreux fans de musique contemporaine ne connaissent Jethro Tull que comme le groupe qui a volé à Metallica un Grammy Award en 1989 – en heavy metal, toutes disciplines confondues.
Le catalogue de Jethro Tull a besoin d’être réévalué. Au tournant des années 1970, le groupe réalise une remarquable série d’albums éclectiques, couronnée par la superbe collection 1972 Vivant dans le passé. Les versions suivantes n’ont pas si bien vieilli, mais Ian Anderson est resté un formidable auteur-compositeur, doté d’un sens remarquable de la mélodie, du contrepoint et de la structure des chansons. Une grande partie de la production ultérieure de Tull a enterré ces cadeaux sous des couches de guitare qui claquent des dents ou les a cachés dans de sérieuses symphonies progressives. Lorsque le groupe s’est tu et a laissé Ian gratter son acoustique, son songcraft a refait surface pendant quelques précieuses minutes.
Voici donc un aperçu album par album des plus grandes chansons d’Ian Anderson. On s’arrêtera au milieu des années 1980, quand Tull s’installe dans une maturité folk-rock, produisant moins de creux stylistiques mais aussi moins de pics compositionnels.
Première face de C’était1968. 
Les débuts de Jethro Tull résistent mieux que la plupart des joueurs de longue date de la Grande-Bretagne obsédée par le blues à la fin des années 60. Le disque associe Ian Anderson à son seul vrai collaborateur de l’époque, Mick Abrahams, un grand guitariste de blues-rock qui partira après un album pour former Blodwyn Pig. Abrahams a apparemment co-écrit « Beggar’s Farm », peut-être la meilleure chanson du disque. L’original d’Ian Anderson « My Sunday Feeling » et le duo fougueux « Some Day the Sun Won’t Shine for You » rock hard et bluesy. « Serenade to a Cuckoo », reprenant le jazzman Roland Kirk, exploite le nouveau talent de Ian à la flûte. La deuxième face est principalement remplie, mais « A Song for Jeffrey » est un classique du swamp-boogie.
Tous Se lever1969. 
je pense Se lever est de loin le meilleur album de Jethro Tull. Trois titres, « Bourée », « Nothing Is Easy » et « Fat Man », se classent parmi les classiques impérissables de Tull. « A New Day Yesterday » et « Back to the Family » sont des joyaux de hard-rock mélodique, tandis que « Look into the Sun » et « Reasons for Waiting » offrent de belles méditations acoustiques. Les Eagles ont volé les accords de « We Used to Know » et les ont réorganisés en « Hotel California ». Le seul inconvénient est la perte d’Abrahams.
Tous Bénéficier à1970. 
Bien qu’il ne soit pas aussi fort sur le plan de la composition que Se lever, le troisième album de Tull présente une paire de chansons de hard rock typiquement mélodiques. « With You There to Help Me », l’ouverture, offre de belles harmonies sur une progression d’accords chargée. « Nothing to Say » et « To Cry You a Song » sont des épopées axées sur les riffs, gâchées uniquement par une lourdeur rampante sur les guitares. « Inside » et « Teacher » sont de joyeuses ébats.
La plupart de Scaphandre autonome1971. 
Soit vous aimez « Aqualung », soit vous le détestez. Peut-être que l’ascension de Led Zeppelin et de Black Sabbath a inspiré Ian à ouvrir son quatrième album avec une paire d’épopées de métal, « Aqualung » et « Cross-Eyed Mary ». Ce sont des chansons amusantes : « Aqualung », pour le meilleur ou pour le pire, est devenu « Free Bird » de Tull. Mais pour mes oreilles, les véritables trésors se trouvent plus loin dans la liste des morceaux, lorsque le groupe recule et que Ian attache son acoustique pour une série de ballades acoustiques magiques, commençant par « Cheap Day Return » et se terminant par « Up to Me ». La deuxième face devient prêcheuse (et bruyante) avec « My God », mais « Hymn 43 » et surtout « Locomotive Breath » montrent le groupe complet à son meilleur.
Tous sauf le côté trois de Vivant dans le passé1972.
Ce double album se classe sûrement parmi les meilleures compilations de rock des années 70, rassemblant une série remarquable de singles, de morceaux d’album et de coupes d’EP qui couvrent les genres du blues rock (« A Song for Jeffrey »), du hard rock (l’exquis « Love Story »), folk rock (« The Witch’s Promise ») et la propre marque de pop orchestrale d’Ian (« Life Is a Long Song »). Plusieurs des meilleures chansons, y compris la contagieuse « Singing All Day » et la chanson titre, n’avaient jamais été publiées sur aucun album de Tull, ce qui témoigne de la force de la chanson d’Ian. Je saute généralement la face trois, un entraînement principalement instrumental enregistré au Carnegie Hall.
« Skating Away » et « Only Solitaire » de Enfant de guerre1974.
Tull avec livre Vivant dans le passé avec paire de suites de l’album complet, Épais comme une brique et Un jeu de passion. De nombreux fans et certains critiques considèrent Brique un chef-d’œuvre. Pour paraphraser Chuck Berry, je pense que les deux enregistrements s’enlisent dans des progressions d’accords et des signatures temporelles inutilement complexes, perdant finalement la beauté des mélodies de Ian. Sur Enfant de guerre, le groupe s’est replié sur des chansons appropriées – bien qu’inégales. « Skating Away » est la vedette étincelante, une magnifique chanson acoustique habillée en un tube pop. « Only Solitaire » est une autre excursion acoustique fascinante, Sir Ian s’en prenant à la foule croissante de critiques.
« Un canard blanc » de Ménestrel dans la galerie1975.
Cet album signale l’étreinte d’Ian Anderson du barde médiéval, un personnage qu’il habitera dans la prochaine décennie. La plupart des chansons commencent comme de belles ballades acoustiques, puis explosent en entraînements folk-metal. Ce ne sont pas de mauvaises chansons, mais trop souvent, les simples mélodies de Sir Ian disparaissent sous le vacarme. « One White Duck », la douce suite acoustique qui ouvre la face deux, est un joyau oublié.
« Salamandre » de Trop vieux pour faire du rock’n roll : trop jeune pour mourir1976.
Cette comédie musicale rock ‘n roll se classe parmi les albums les plus faibles de Tull. La chanson titre est sympa, mais la meilleure chanson de l’album est cette piste acoustique subtile. Si Ian avait opéré comme Robyn Hitchcock, peut-être aurait-il stocké ces trésors acoustiques pour les publier sur un grand LP à la fin de la décennie.
« The Whistler » et « Fires at Midnight » de Chansons du bois1977.
Les critiques ont accueilli cet album comme un retour en force. Compositionnellement, Chansons du bois est probablement le set le plus fort d’Ian depuis Living in the Past, bien que les textures de synthé de la fin des années 70 et le son de la production folk-pop datent d’aujourd’hui. Pourtant, « The Whistler » est une belle chanson à bout de souffle, et « Fires at Midnight » clôt le LP comme une tasse de cacao fumant.
« Et la police de la souris ne dort jamais » de Chevaux lourds1978.
Le deuxième album du cycle élisabéthain de Tull ressemble plus à un véritable album folk-rock. Les chansons ne sont pas nécessairement plus fortes que celles de Chansons pour le boismais Chevaux lourds bénéficie d’une production plus simple. « Mouse Police » est un joyau hypnotique d’une chanson.
« Dun Ringill » de Stormwatch1979.
Injustement calomnié, Stormwatch est un bel album, maussade et menaçant comme la Mer du Nord, quoique un tantinet surproduit. Le joyau de la couronne de cette collection est « Dun Ringill », une sorte de conte de fées nordique sur une belle mélodie et auquel répond une belle figure contrapuntique à la guitare acoustique de Ian. C’est probablement ma chanson préférée de Ian Anderson.
« Flyingdale Flyer » de UN1980.
De belles harmonies en plusieurs parties ornent cette chanson, qui se démarque d’une sortie plus faible de Tull.
« Jack Frost et le corbeau à capuchon » de Sabre et la Bête1982.
Broadsword a marqué un autre retour modeste pour Tull, cinq ans après Songs from the Wood. Comme cet album, Glaive sonne très bien de son époque. (Peu d’albums sortis en 1982, à bien y penser, transcendent les horribles techniques de production de l’époque.) « Jack Frost » était une sortie qui est apparue sur un coffret Tull de la fin des années 80, et c’est mon préféré Glaive chanson de loin, jubilatoire, dynamique et diablement entraînante.
« Sous Wraps #2 » de Sous enveloppe1984.
Une belle chanson discrète d’un album que de nombreux fans de Tull choisissent d’oublier.
Daniel de Visé est un contributeur fréquent d’AllMusic et l’auteur de King of the Blues : The Rise and Reign of BB King.