L’ancienne leader des Alabama Shakes contrôle totalement l’odyssée de son nouvel album qui défie les genres à travers cette chose appelée la vie, évoquant la maîtrise d’un autre maestro à tout faire : Prince.
Malgré tout le culte du Prince présent dans la culture pop, il n’y a pas beaucoup de stars contemporaines capables de maintenir l’acharnement total de sa musicalité – comment le talent suintait de chaque centimètre et dans toutes les directions, comment le jazz et le gospel coulaient dans son sang. Des personnalités comme Janelle Monáe ont fièrement repris la quête du plaisir et de l’androgynie alimentée par le funk de notre petit roi, et son influence peut sûrement être ressentie chez les loverboys de la guitare-R&B comme Omar Apollo et Miguel. Mais ce sentiment de respect que l’on ressent en regardant Prince jouer de sa guitare, c’est comme la différence entre chanter et chanter. Il a fait gémir cette chose, puis l’a associée à une voix capable d’exprimer des émotions entièrement nouvelles et un sens du rythme qui ne peut être enseigné.
En regardant le clip de Brittany Howard pour « What Now », je me souviens de la façon dont Prince quittait parfois son poste au micro, laissait tomber sa guitare et la déchirait soudainement derrière la batterie. Howard n’est pas la star du clip d’action, un néo-noir scénique avec un combat à l’épée et une poursuite en moto entre amoureux ; ses mains bougent furieusement sur les touches et les caisses claires dans des images de balcon élégantes, un savant fantôme hantant les bords d’un monde turbulent qu’il a lui-même créé. Votre perception de son jeu, plus que cette personne qui chante, c’est ce sur quoi vous êtes censé vous concentrer. C’est un dieu de la guitare dans l’ombre – quelque chose que vous ne pouvez être que lorsque vos compétences instrumentales et votre style parlent d’eux-mêmes.
Sur son deuxième album solo, Et maintenant, l’ancienne leader des Alabama Shakes montre pourquoi elle est l’héritière de l’expansion de Prince, du moins au sein du courant dominant. En tant que chef de groupe, productrice et multi-instrumentiste, elle contrôle totalement l’odyssée de l’album, qui défie les genres, à travers cette chose appelée la vie. Elle a l’oreille pour créer des accroches mémorables et des progressions d’accords clairsemées, ces magnifiques moments d’interaction entre la voix et les touches qui fondent les chansons en constante évolution (voir : « Samson »). Et bien sûr, elle canalise principalement Prince sur la face B : la moitié arrière de « Patience » cloue les touches déformées et sirupeuses de ses premières ballades, et « Power to Undo » est embrassé avec le tintement de guitare acidulé de la fin des années 80 de Purple One. .
Howard possède deux qualités principales d’une principauté absolue : l’agilité de son jeu et la fluidité de son chant. Bien qu’il existe des différences évidentes – Prince faisait de la musique pour bouger le corps et provoquer les masses, alors que Howard a une approche plus cérébrale – sa malléabilité vocale lui permet d’accéder à tout un spectre d’émotions et d’expressions de genre contradictoires. Elle pense clairement à son lien avec l’icône sur Et maintenant, ayant même enregistré sur une console qu’il a utilisée pour faire une version de son premier album : la façon dont elle crie « Je ne suis pas désolée » dans la chanson titre, ou comment sur le « I Don’t, » endetté par l’âme des années 60. » Sa prononciation de la phrase de deux mots ressemble à une reddition, un baiser et un remède. (Idée gratuite pour TikTok : le refrain de cette chanson est une situation « Can I Call You Rose ? » qui ne demande qu’à se produire.) Son talent frise la virtuosité – c’est quelqu’un qui a visiblement ému Joe Biden avec une reprise de Joni Mitchell, qui a reproché au guitariste de tournée de Paul McCartney d’avoir essayé de jouer le solo de « Get Back » alors qu’elle se tenait juste là. Tout comme avec Prince, c’est un cadeau de la voir travailler à travers ses idées, devenir plus lâche mais aussi plus confiante dans ses instincts.
Il se passe beaucoup de choses dans ces 12 chansons, mais Howard réinitialise le tableau pour chaque plat. Et maintenant on se croirait dans un morceau avec le jazz new-age d’André 3000 Nouveau soleil bleu, comme un monument au ralentissement et à l’exploration des confins de l’esprit des musiciens. L’album vous accueille dans son univers avec un balayage nettoyant de bols chantants en cristal, joué par Ann Sensing et Ramona Reid, cette dernière de The Frequency Center, spécialisé dans les soins énergétiques. Ces bols sont le genre de choses que l’on entend lors d’un bain sonore, avec des fréquences qui facilitent une relaxation profonde du cerveau (s’endormir n’est pas rare, tout comme ressentir les vibrations de son corps). Ils apparaissent tout au long de l’album entre les chansons, accompagnés de carillons éoliens, comme de la sauge brûlante pour rincer l’aura d’une pièce. Bien que cela puisse sembler contre-intuitif de créer un état de flux, ces douces intros et outros créent un espace pour laisser tout s’imprégner et préparer l’esprit de l’auditeur à la prochaine séquence d’idées. Cela me rappelle le bruit gris que les personnes neurodivergentes comme moi écoutent parfois dans des états de surcharge sensorielle.
La tranquillité occupe le devant de la scène dans « To Be Still » à travers une mélodie choisie au doigt et des chœurs doux, qui ouvrent la voie à une récitation de Maya Angelou (extrait de l’un de ses poèmes les plus percutants, « A Brave and Startling Truth »). C’est dans cette partie centrale du disque que Howard explore brièvement les idées de développement communautaire. Après les révélations très personnelles et politiques de son premier album solo, Jaime — la perte traumatisante de sa sœur pendant l’enfance ; le racisme brutal auquel sont confrontés ses parents, un blanc et un noir ; ses premiers béguins pour les femmes plus âgées – Et maintenant peut sembler large à cet égard. Sa chanson à message unique, le cliquetis et funky « Another Day », est centrée sur des déclarations d’autonomisation pleines d’espoir telles que « Je sais que nous pouvons le faire / Allons-y ».
Après avoir partagé certaines de ses histoires les plus lourdes sur Jaime, il est naturel que Howard puisse éprouver un sentiment de « et maintenant ? (même s’il convient de noter que le titre n’est pas posé comme une question). Elle a commencé à travailler sur cet album pendant la pandémie, et ce sentiment de feuille de route qui disparaît par la fenêtre lui est clairement resté. C’est en partie un disque de rupture (et un disque brutal en plus, avec Howard prêt à supporter la chaleur), une sorte d’album pour « retrouver son rythme », mais aussi juste un instantané de la progression. « La vie est ce qui nous arrive pendant que nous faisons d’autres projets », dit la célèbre citation d’Allen Saunders, même si un aficionado de rock classique comme Howard la connaîtrait probablement comme une parole de John Lennon. Le changement est constant – il n’y a pas ces époques soignées qui commencent et se terminent avec de nouvelles coupes de cheveux et de nouveaux amants – mais faire de l’art est une façon de traiter et de témoigner de sa propre évolution. Une fois que vous réalisez que la vie continue, dans tous ses reculs et sa banalité, elle vous libère pour profiter du voyage là où vous le pouvez. C’est le sentiment que j’ai en écoutant Howard sur Et maintenant; son jeu n’a jamais été aussi présent et joyeux.
La capacité de Howard à parcourir les genres selon son humeur ne fait que devenir plus intuitive avec le temps. Le morceau remarquable « Prove It to You » donne l’impression qu’elle est allée chez Beyoncé Renaissance tournée et a écrit sa version d’un hymne vigoureux d’un club queer à son retour à la maison. C’est en plein essor et explosé, elle n’a jamais été aussi proche d’écrire un « banger », mais dans ses petites confessions – « Je n’ai jamais été très douée pour tomber amoureuse / Tomber si fort que je ne me lève jamais » – elle se révèle . L’éblouissant final, « Every Color In Blue », vous plonge dans l’action avec des percussions jazz et des sons délicats, Dans les arcs-en-ciel-des lignes de guitare-esques, construction et construction avec trompette expressive et contre-mélodies au piano. L’une des compositions les plus intéressantes de la carrière de Howard, à la hauteur de l’âme expérimentale d’un artiste comme L’Rain, c’est une conclusion concise mais dramatique au chaos grandissant de l’album.
Lorsque Brittany Howard a émergé avec Alabama Shakes il y a plus de dix ans, elle se positionnait comme une revivaliste du soul-rock, à mi-chemin entre les concerts de garage-rock en sous-sol et Daptone Records. Un grand succès comportait un risque – un risque que Howard et ses camarades ont pris courageusement avec leur deuxième album de 2015, Son et couleur. Ce fut un tournant dans ses ambitions musicales, cette envie d’évoquer le bruit et la beauté à travers un mur sonore psychédélique. Cette séquence d’expérimentation n’a clairement jamais quitté Howard, et maintenant, s’étant déjà présentée comme une artiste solo avec des récits de ses années de formation, elle a l’impression qu’elle peut laisser son jeu faire ce qu’il fait de mieux : parler pour lui-même.